روی لیختنشتاین لحظه‌ی وسواس عکس‌های ما را دید - و عمدا وارد آن شد

اگر شما هم مثل من نمی‌توانید در برابر متنفر خواندن یک حذف وحشتناک اشتباه از یک هنرمند بزرگ مقاومت کنید، شماره سپتامبر 1963 Artforum را بررسی کنید، که یکی از دو نمایشنامه علیه روی لیختنشتاین توسط هنرمند Erle Loran در همان ماه منتشر شد. (دیگری در این مجله ظاهر شد.) لوران با پرتره مادام سزان اثر لیختنشتاین (1963) مشخص شد، نقاشی ای که نمودار خود لوران را در تحلیل اثر پل سزان به همین نام به عاریت گرفته بود.

مانند نمودار لوران، نقاشی لیختنشتاین مادام سزان را به طرحی سیاه تبدیل می‌کند، با حروف و فلش‌هایی که نمودار انتخاب‌های ترکیب‌بندی همسرش را نشان می‌دهند.

لوران در مقاله Artforum خود، با عنوان طعنه آمیز «سزان و لیختن اشتاین: مشکلات «تحول»، نقاشی لیختن اشتاین را پس گرفت و تصویری از آن را در کنار نمودار اصلی قرار داد، گویی می خواهد این حس را منتقل کند که این دو دقیقا یکسان هستند. (در واقع، اینطور نبودند: لیختنشتاین طرح کلی لوران را نازک کرد و شکل فلش ها را تغییر داد.) لوران شکایت کرد: «کپی از هر چیزی، حتی زمانی که به اندازه یک بیلبورد منفجر شود، همچنان یک کپی است. "کپی ها دگرگونی نیستند."

طنز مقاله لوران این است که حق با او بود: نقاشی لیختنشتاین واقعا یک کپی بود، البته نه کامل. اما چیزی که لوران متوجه نشد، قصد نقاشی لیختنشتاین بود که هدف آن تغییر نمودار لوران نبود، بلکه ترجمه آن به مکان جدید و بررسی اینکه آیا معنای آن در طول مسیر تغییر کرده است یا خیر. نمودار لوران که از صفحه به دیوار گالری آورده شده، کمی شبیه به ضد هنر به نظر می رسد تا تحلیل محترمانه یک شاهکار. کپی ها دگرگونی نیستند، مگر زمانی که هستند.

نمای نصب «روی لیختنشتاین: مثل جدید»، 2026، در موزه ویتنی، نیویورک. عکس Jason Lowrie/BFA.com/Artwork ©Estate of Roy Lichtenstein

لیختن اشتاین تصاویر بسیار بیشتری را کپی می‌کرد: نقاشی‌های معروف هنری ماتیس، کتاب‌های کمیک که زنان رنج‌دیده عاطفی را به تصویر می‌کشد، تبلیغات لوازم خانگی و داروها. اما اگر آثار لیختنشتاین بی‌پایان کپی شده باشد، با نقاط خمیده‌مانند او که همه چیز را از پوسترهای ارزان قیمت گرفته تا بالش‌های پرتابی گرفته تا لباس‌های مد لباس پوشانده است، به چه معناست؟

یک بررسی گذشته‌نگر لیختن‌اشتاین در موزه ویتنی نیویورک ادعا می‌کند که همه‌جای هنر او در واقع به معنای موفقیت آن است. نمایش نشان می‌دهد که او لحظه‌ی وسواس عکس‌های ما را در راه است، و حتی عمدا به آن وارد شد.

نمایش ویتنی (تا 10 مه) با عنوان "مثل جدید" نامگذاری شده است، که با توجه به اینکه درک فرد از لیختن اشتاین را به شدت بر هم نمی زند، یک نام اشتباه است. انجام این کار به سادگی بسیار دشوار شده است – به هر حال، این سومین نمایش گذشته نگر لیختن اشتاین است که در 35 سال گذشته در ایالات متحده برگزار می شود. اما نمایش ویتنی، حداقل، مقداری سانگفرید را به آثار هنرمند پاپ باز می گرداند.

این نشان می‌دهد که اگرچه او ممکن است با خوشحالی از تاریخ هنر جستجو کرده باشد و با رنگ‌های قرمز و زرد شاد نقاشی کرده باشد، همانطور که در گذشته‌نگرهای گذشته پیشنهاد شده بود، او واقعا بیش از هر چیز دیگری به دزدی زیبایی‌شناختی پست علاقه داشت.

بازسازی اولین گالری لئو کاستلی اثر روی لیختنشتاین در سال 1963 در "مثل جدید". عکس Jason Lowrie/BFA.com/Artwork ©Estate of Roy Lichtenstein

این نمایش شیک که توسط متصدی ویتنی، مگ اونلی و هنرمند الکس دا کورته سازماندهی شده است، با افتتاحیه آن بسیار آشکار می شود. طول یک بازسازی عظیم از یک نقاشی دیواری در سال 1983 را طی کنید که بسیاری از نقوش برجسته لیختن اشتاین (نقطه‌های قلم مو، نقطه‌های خمیده و مواردی از این قبیل) را آدم‌خوار می‌کند، و در نهایت به Image Duplicator (1963)، نقاشی از دو چشم برآمده با ابروهای برآمده می‌رسید.

به نظر می‌رسد این تصویر می‌تواند از صفحات خنده‌دار باشد، و متن مناسبی با فونت کمیک در حباب گفتاری داده می‌شود: "چی؟ چرا این را پرسیدی؟ در مورد تکثیر تصویر من چه می‌دانی؟" (به هر حال، نه تصویر و نه متن، اگرچه به ترتیب بر اساس پانل‌های مردان ایکس و من بزرگترین ماجراجویی است، اما به طور وفادارانه تخصیص داده نشده است.) لیختن اشتاین را به‌عنوان تکثیرکننده تصویر خود متصدیان در نظر بگیرید و وقتی به تمام دوتایی‌ها و سه‌گانه‌هایی که ارائه کرده‌اند نگاه کنید، آن نقاشی را به خاطر بیاورید.

آنها، برای مثال، پرتره های لیختنشتاین در سال 1961 از فروشنده ایوان کارپ و هنرمند آلن کاپرو را ارائه می دهند. این دو در اینجا تقریبا یکسان به نظر می رسند، هر دو لباس های کتانی سفید به تن کرده اند و با پس زمینه های زرشکی، حتی اگر در واقعیت شبیه هم نیستند. بعدا سه گانه نقاشی مدرن (1967) می آید که در آن لیختنشتاین سه نمای تکراری از یک لیگاتور آرت دکو را ارائه می دهد که با نقاط آبی پر شده است.

روی لیختنشتاین، سه گانه نقاشی مدرن، 1967. ©Estate of Roy Lichtenstein/DACS 2026/Collection of Neil G. Bluhm

تکراری حتی در نقاط مختلف نمایش متا می شود. در کنار آثار اصلی لیختن اشتاین، داکورته و اونلی دارای تخصیصی از لیختنشتاین در قالب نقاشی‌هایی از ریچارد پتی‌بون و استورتوانت و عکسی از لوئیز لاولر هستند که آخرین آنها یکی از چهره‌های برجسته نسل تصاویر تصاحب‌گرایانه دهه 1980 است. متصدیان نمایشگاهی نیز در یک نمایشگاه ترتیب داده‌اند که شبیه‌سازی از اولین گالری لیختنشتاین در سال 1962 است.

کپی کاستلی که در یک اتاق پیاده روی واقع در یک سالن نمایشگاهی بزرگتر قرار دارد، آنقدر وفادار است که حتی کف پارکت گالری نیز در اینجا بازسازی شده است.

دا کورته و اونلی اظهار نمی کنند که لیختن اشتاین تنها مالک اصلی جنبش پاپ بوده است - هیچ کس نمی تواند مشارکت اندی وارهول را که ویتنی به طور به یاد ماندنی در سال 2018 بررسی کرد فراموش کند. آنها همچنین اعلام نمی کنند که لیختن اشتاین لزوما کاری کاملا متفاوت از همتایان خود انجام داده است. اما آنها به طور متقاعدکننده ای نشان می دهند که یخ زدگی هنر لیختن اشتاین – «جدایی مفهومی» آن، بر اساس مقاله کاتالوگ اونلی – آن را با طعمی غیرعادی که اغلب در نتیجه سطوح زیبای آن فراموش شده است، می بخشد.

روی لیختنشتاین، دختر غرق شده، 1963. ©Estate of Roy Lichtenstein/DACS 2026/Digital Image © موزه هنر مدرن/با مجوز SCALA/Art Resource، نیویورک

متصدیان به طور هوشمندانه یک داستان اصلی را در دستگاه تکثیر تصویر خود ارائه می دهند. نمایش در دهه 1940، بسیار قبل از شروع جنبش پاپ، با دوران لیختنشتاین به عنوان دانشجوی کارشناسی ارشد در دانشگاه ایالتی اوهایو آغاز می شود. او زمانی را در مرکز تظاهرات بصری Hoyt L. Sherman گذراند، جایی که دانش‌آموزان در تاریکی یاد می‌گیرند که تصاویر متوالی به آنها نشان داده می‌شود تا بفهمند چقدر می‌توانند از پیش‌بینی‌ها درک کنند.

هدف درک «وحدت ادراکی» بود، همانطور که شرمن آن را توصیف کرد، و در ویدیویی که داکورت برای نمایشگاه تهیه کرد، متصدی همکار تصور می‌کند که دیدن این همه عکس تقریبا یک قرن پیش برای لیختن‌اشتاین چگونه بود.

روی لیختنشتاین، گربه خندان، 1961. ©Estate of Roy Lichtenstein/DACS 2026/Private Collection

شاید انتظار داشت که لیختنشتاین در نتیجه اوپ آرت را انتخاب کند، اما در عوض، او در نهایت پاپ را انتخاب کرد. این نمایش که عمدتا انتزاعات لیختنشتاین در دهه 1950 را حذف می‌کند، به دهه 60 نزدیک می‌شود، جایی که می‌توان او را دید که استراتژی‌های زیبایی‌شناختی ذهنی را به سمت زبانی بصری هدایت می‌کند که تبلیغات را به یاد می‌آورد. در اینجا می‌توان توپ گلف (1961) را پیدا کرد که سطح گرد آن با ردیف‌هایی از هلال‌های تاب‌دار نشان داده شده است.

از طریق شکل دایره ای توپ و بی رنگ بودن آن، نقاشی آگاهانه به ترکیب 10 سیاه و سفید پیت موندریان (1915) چشمک می زند، سپس خلوص زیبایی شناختی مدرنیست هلندی را آلوده می کند.

چنین ژستی چیزی شبیه انگشت وسط به انتزاع بود در زمانی که بیشتر منتقدان هنوز آن را به عنوان عالی ترین شکل هنری می دانستند. (لیختن اشتاین به زودی به همان شیوه به اکسپرسیونیسم انتزاعی می پردازد، نقاشی های قلم موی او در اواسط دهه 1960 به قول خودش «تصویری از یک ژست بزرگ» بود.) اما لیختن اشتاین همچنین هوشمندانه توجه خود را به هنرمندانی معطوف کرد که خودشان سریال سازی را آزمایش کرده بودند، از جمله کلود کاچتن با نقاشی هایش دوباره ساخته شده بود.

یکی از برداشت‌های لیختنشتاین از مونه در این نمایش، کلیسای جامعی را نشان می‌دهد که در زیر ماتریسی از نقاط سیاه در بالای پس‌زمینه‌ای آبی عمیق قرار گرفته است، چیزی که ممکن است کنایه‌ای از انتزاع‌های آبی-رو-آبی Ad Reinhardt در دهه 50 باشد.

روی لیختنشتاین، Femme au Chapeau، 1962. ©Estate of Roy Lichtenstein/DACS 2026/Private Collection

ویتنی در جایی در اطراف آثار کلیسای جامع روئن به اوج خود می رسد و دیگر هرگز به اوج آن سری نمی رسد. این نمایشگاه یک گالری کامل از نقاشی‌های «Mirror» مربوط به دهه 70 را جمع‌آوری می‌کند که هر یک دایره‌ای از شیشه‌ای پوشیده از نقطه‌ها را به تصویر می‌کشد، و مجموعه‌ای از آثار تولید شده بین دهه‌های 70 و 90 که استودیوهای هنرمندان را در حالت‌هایی به تصویر می‌کشند که ماتیس و پیکاسو را به یاد می‌آورند. چند مناظر نیز وجود دارد، از جمله Treettops Through the Fog در سال 1996، که نشانه های خود را هم از کمیک ها و هم از سبک نقاشی شانشوی چینی گرفته است.

اما هیچ‌کدام از این مجموعه‌های کاری هیجان‌انگیز نیستند، زیرا فاقد ویژگی‌های کارهای دهه ۶۰ لیختن‌اشتاین هستند، که تخصیص‌های آن مستقیم‌تر و در نتیجه چشمگیرتر است.

در سمت راست، بازسازی الکس دا کورته از نقاشی دیواری روی لیختنشتاین که برای نمایشگاه جهانی نیویورک در سال 1963 ساخته شده است. عکس Jason Lowrie/BFA.com/Artwork ©Estate of Roy Lichtenstein

توصیه من این است که یک سوم آخر نمایش را بگذرانید و به بیرون بروید تا یکی از بهترین نسخه های نمایش را ببینید. در نمای ویتنی، نسخه ای از نقاشی دیواری لیختنشتاین برای نقاشی دیواری نمایشگاه جهانی نیویورک در سال 1963 وجود دارد، نسخه بزرگی از نقاشی دختر در پنجره. (نقاشی منبع یکی از بسیاری از Lichtensteins است که توسط Whitney که همچنین مالک استودیوی هنرمند است و اکنون از آن به عنوان خانه برنامه مطالعاتی مستقل خود استفاده می کند.) دا کورته و دستیاران استودیو او شخصا این بازسازی 32 فوتی را نقاشی کردند که هم به عنوان یک ادای احترام دوست داشتنی و هم ابزاری برای بالا بردن یک اثر عالی برای جدید است.

ts به نقل از ارل لوران، یک کپی از هر چیزی، حتی زمانی که به اندازه یک بیلبورد منفجر شود، همچنان یک کپی است. همانطور که این کار نشان می دهد به اندازه کافی منصفانه است، اما آیا این واقعا چیز بدی است؟